Tag: Mayombe

críticas

O caminhar de uma mulher entre o poético e o político

O caminhar de uma mulher entre o poético e o político

– por Clóvis Domingos –

Crítica a partir do espetáculo “A mulher que andava em círculos”, do Mayombe Grupo de Teatro (MG).

received_709367355877183

received_709367355877183

received_709367432543842

received_709367432543842

“A urgência de uma política de memória. Somos educados por segredos altissonantes que conhecemos, mas não dizemos. A reconstrução dos fatos a partir de diversos pontos de vista dos sobreviventes do terror e de familiares que viveram experiências desumanas de dor e de perda colaboram potencialmente para que os crimes praticados pelo Estado e a impunidade de seus perpetradores sejam julgados. Desgraçadamente, nossa história ainda parece seguir sob os signos do silêncio e da amnésia, quando grupos conservadores saem às ruas pedindo intervenção militar e torturadores são tratados como heróis. (…) Saber como aconteceram as práticas sistemáticas de tortura e desaparecimento consentidas pelo Estado pode nos ajudar a tomar uma posição crítica diante da barbárie para que ela não se repita, reativando nossa memória histórica, a poder dizer que essa violência é inaceitável”.
André Mesquita.Esperar Não É Saber: Arte Entre o Silêncio e a Evidência.

A mulher que andava em círculos é o novo espetáculo do Mayombe Grupo de Teatro, que em sua trajetória de vinte anos trabalha com a cultura latino-americana em suas múltiplas vertentes articulando memória, estética e política. Mais uma vez esse importante coletivo belo-horizontino vem tocar nas feridas abertas de uma América Latina ainda marcada por violências, governos ditatoriais e práticas de esquecimento.Um trabalho solo, com atuação vibrante e bem construída de Marina Viana, tecido por diferentes camadas discursivas: o íntimo e o coletivo, o ficcional e o documental, o passado e o presente, a palavra e o silêncio, o afetivo e o histórico, a memória e o esquecimento.

Ao adentrar o espaço cênico tem-se a impressão de um início de visita a uma exposição dolorosa e poética, aos lugares híbridos e fragmentados de memórias e esquecimentos de uma mulher. Circulamos por essas diferentes estações habitadas por objetos, roupas, fotografias, documentos (configurando uma dramaturgia do espaço), cujas instalações em sua plasticidade e apelo histórico convocam e tensionam nossa sensorialidade e capacidade reflexiva. Tal espacialização materializa a fragilidade de uma memória dispersa e, nessa visitação, experimentamos o percurso circular que depois a personagem intitulada Mulher (numa alegoria das mais variadas mulheres de luta) irá fazer.

A cenografia instigante de Rafael Bottaro soma-se à iluminação precisa de Marina Arthuzzi, usando o claro-escuro como luminosidades e apagões da memória, na construção dessas sessões de lembrança. Tanto a cenografia – que ocupa diferentes nichos do espaço reforçando uma memória desconjuntada e apresentando objetos como, por exemplo, porta-retratos com rostos em branco, numa provocativa alusão a uma ausência presentificada ou até, talvez, nos convidando a depositar ali nesse vácuo a imagem de alguém específico – , quanto a iluminação – em alguns momentos tornando difusas algumas expressões da atriz – se relacionam com as outras dimensões da cena e reforçam essa memória feminina embaçada.

O texto de Éder Rodrigues (que contou com intervenções da atriz) se apresenta como uma dramaturgia rapsódica que passeia e cartografa as marcas e fios soltos de uma narrativa que tenta insistentemente fazer uma costura delicada e ao mesmo tempo indignada do relato de uma mulher guerreira, mãe cujo filho foi desaparecido (como nos casos das Madres da Plaza de Mayo na Argentina e as Mães de Maio no Brasil) e que, em sua busca por reparação e  justiça, agora enfrenta o drama de uma doença que vai lhe roubando a memória. Nesse ponto o poético e o político se encontram, os grandes e pequenos fatos dialogam e possibilitam aos espectadores um ato de testemunho comovente que toca pela sinceridade da intérprete e foge de qualquer forma de sentimentalismo e didatismo histórico.

A montagem aposta numa conjugação entre texto e cena na qual o tom dramático se desvanece pelo intimismo da personagem e pela proximidade e interação com o público-visitante-participante, criando assim uma camada épica. Há também momentos de um possível lirismo, e ainda que fatos históricos e sociais sejam evocados, é pela lente e voz singular da Mulher que se estabelece o que a Ana Longoni chama de politicidade do íntimo.

Entre a omissão da história oficial e a resistência de uma história pessoal, a memória circula ainda que a passos imprecisos, e um dos méritos da encenação (destaca-se a direção de Sara Rojo e Fabrício Trindade) é ter nos espectadores uma presença indispensável para a escuta de uma mulher idosa, solitária e ao mesmo tempo rodeada de fantasmas, a colocar seus interlocutores em movimento, inclusive experimentando as incansáveis andanças pelas praças, ruas e delegacias do mundo em busca de um filho roubado. Há uma diferença significativa entre não poder lembrar e ser forçado a esquecer.

Não bastasse a força de se atentar para temáticas tão urgentes do ponto de vista político e histórico, numa camada mais profunda e existencial, esse trabalho do Mayombe também se debruça sobre as passagens do tempo e suas consequências para a condição humana:

“MULHER: (comendo biscoito) Desculpa, na falta de ter o que dizer, a gente sempre se repete. Nada mais constrangedor que o tempo. Ele faz com que fiquemos constrangidos diante de nós mesmos. Já ouvi tanta coisa por aí sobre as formas de ultrapassá-lo, de fingir que ele não existe. Os velhos engravatados se negam a morrer e se repetem com suas panças e cabelos acaju; mas o estrago já está feito, o estrago será feito… O novo sempre vem. Como chama mesmo esse cantor? Eu não tenho mais idade prá fazer de conta. Já ouvi tanta coisa por aí sobre esse momento. Não sei se devo. Provavelmente eu já me esqueci de tudo o que ocorreu ontem, a não ser um detalhe. Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Ron Wood… Belchior. Pena que essa coisa de detalhe a gente descarte sem o menor pudor quando o tempo acelera. Nada passa a ser importante. Belchior. Desculpe, mas uma mulher da minha idade não confia mais no destino, nem na simpatia, devoção, corrente, auto-ajuda, declaração de amor, frase de caminhão. O tempo é um companheiro sincero. A gente é que trai o que todo dia ele confessa sem cerimônias. Eu vou contar antes que você esqueça. Vou contar porque talvez em troca você me leve para um passeio no jardim, um solzinho no vão das pernas ou uma surpresa qualquer. Ontem eu não consegui vestir a blusa. Eu sempre passei primeiro o braço direito no buraco e depois acertava as costas para depois levar o braço esquerdo. Então abotoava a parte da frente. Eu sempre fiz isso sozinha, como uma série de outras coisas. Mas ontem eu não consegui. O braço não me obedeceu e eu desisti logo. Depois foi aquele espelho. Quantas vezes eu disse que não queria espelho. Que já não me importa estar penteada, arrumada ou pronta. Ninguém nunca está pronto. A não ser o tempo, com o seu terno impecável e o andar preciso. (Pausa).Vou deixar um pouco no chão para o cachorro levar depois. (Como se contasse uma novidade) Cachorro é o nome do cachorro lá de casa. Não fui eu que pus esse nome. Foram as crianças. Achei tão original chamar uma coisa pelo nome mesmo”.

A vulnerabilidade física e psíquica da personagem revela a precariedade nossa de cada dia ameaçada constantemente pelos imperativos de uma temporalidade ora vertiginosa e ora vagarosa; e nesse entrelaçamento entre arte e vida todos nos irmanamos. Somos filhos do tempo! Aqui a potência do fazer teatral nos aterra no mais sensível e imponderável do existir humano. Nesse trecho textual por mim destacado, A mulher que andava em círculos me remete a outra personagem: Winnie de Dias Felizes, de Samuel Beckett (guardadas as devidas distâncias e concepções estético-filosóficas). Ambas pouco a pouco engolidas pelo tempo, pelo esquecimento e pelas artimanhas do poder; apegadas a pequenos objetos (escova de dentes, uma sombrinha, fitas K7 e agulhas de tricô) que possam contar/tecer/resgatar alguma coisa que as mantenha vivas; fraturadas em sua solidão, mas resistentes pela força da linguagem. Cada uma circula pela existência com os restos que lhe sobram.

Em tempos de tamanha complexidade política em nosso país, A Mulher que andava em círculos talvez metaforize nossa situação atual: de um lado nossas tentativas de ocupar e resistir mobilizando táticas e ajuntamentos micropolíticos. Na outra margem: uma pátria fragilizada por tantos esquecimentos e injustiças, desnorteada em seus caminhos democráticos repletos de idas e voltas, assolada por intermitentes golpes, despedaçada de sua memória histórica, a correr grave risco de repetir os mesmos círculos.

Leia mais
10/11/2016 TAGS: , , , , , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Voltar ao passado para seguir adiante

Klássico (com K), do Grupo Mayombe

por Marcos Coletta


Klássico (com K) é o mais recente espetáculo do Mayombe Grupo de Teatro, de Belo Horizonte, que cumpre temporada de 19 de abril a 19 de maio no Esquyna – Espaço Coletivo Teatral, e resulta de 14 meses de pesquisa e criação.


É difícil escrever sobre o trabalho do Grupo Mayombe, com o qual já trabalhei como ator em dois espetáculos e fui co-autor de um deles. Meu envolvimento com este coletivo de artistas é estreito demais para me abster de todo e qualquer traço afetivo ao falar de suas criações. Desta vez, porém, por não participar do processo, tive pouco contato com a montagem de “Klássico (com K)”, o que me coloca em uma posição mais confortável para tentar, aqui, fazer alguns apontamentos.
Antes, creio ser necessário iluminar algumas informações importantes sobre a história do Mayombe, um grupo de 18 anos, nascido dentro da Faculdade de Letras da UFMG (FALE), e que nos anos iniciais se desenvolveu como um grupo de pesquisa em teatro hispânico, integrado por alunos e professores da FALE e ligado às atividades acadêmicas, ainda que não dependente delas. Durante sua trajetória, sempre marcada pela rotatividade de integrantes, o caráter acadêmico do grupo abriu espaço para uma postura mais “teatral”, o que muito se deu pela entrada de alunos do Curso de Teatro na equipe, ampliando seu alcance para além dos muros da Universidade. Em 2005, o espetáculo “O Julgamento de Don Juan” começa a indicar a profissionalização do Mayombe como grupo teatral, e em 2007, com “Por esta porta estar fechada, as outras tiveram que se abrir”, o coletivo firma um novo tipo de contato com o público, a crítica e a criação no contexto do teatro contemporâneo, resultando em sua efetiva entrada para o circuito cultural profissional de Belo Horizonte. Em 2010 estreia “A Pequenina América e sua Avó $ifrada de escrúpulos”, e agora, em 2013 “Klássico (com K)”. É interessante pereceber este movimento que parte de uma pesquisa acadêmica para desembocar em um grupo de teatro profissional que atualmente possui mais atores do que alunos da Letras. Da formação inicial, permanecem Sara Rojo, diretora do grupo, e Marcos Alexandre, ambos professores doutores da FALE, responsáveis por cultivar a essência ideológica e identitária do Mayombe. A saídas e entradas frequentes de integrantes reverberam na benéfica diversidade estética dos espetáculos. Sara Rojo, que concentra sua direção mais no conteúdo discursivo e político dos espetáculos do que em técnicas de atuação, concede aos atores grande autonomia criativa.
 “Klássico (com K)” é um símbolo claro da maturação deste longo processo de retro-alimentação entre a área acadêmcia/teórica e a área teatral/artística. Representa também a confirmação de um lugar singular construído pelo Mayombe, bastante diferente da trajetória de outros grupos teatrais da cidade. É, ainda, segundo o grupo, o fechamento de uma trilogia iniciada em “Por esta porta…”, em torno de uma visão utópica do homem contemporâneo. E também, uma incursão audaciosa pela literatura clássica ocidental.
CLÁSSICO, mas com K
Pouco antes da estreia do espetáculo, o grupo decidiu mudar seu título de “Clássico”, para “Klássico (com K)”. No corpus da peça, percebemos a necessidade da troca. O Mayombe propõe sua releitura de personagens fundantes da cultura ocidental: Medeia, Antígona, Ulisses e Fausto, reunidos ali de forma quase alegórica, sem qualquer verossimilhança histórica. São figuras pinçadas de seus contextos e soltas em um espaço-tempo indefinido, como animais em cativeiro, distantes do habitat natural, expostos ao visitante/público. Situação tão comum na cultura pós-moderna, onde todo e qualquer personagem ou fato pode se tornar ícone de consumo sem qualquer pano de fundo – são as camisas de Che Guevara nas lojas de departamentos. As personagens, como exilados, demonstram seu banzo e explicitam sua desorientação contraposta com os diversos trajetos demarcados no chão do palco.


Os atores empreendem então o desafio de “defender” seus personagens clássicos no estádio-arena-show montado. O match criado é campo por onde cada ator tenta percorrer uma trajetória cênica e pessoal, onde todos os recursos podem ser utilizados –  técnicas de atuação, narrativas, coreografias, plágios, dublagens, apresentação de palestra, travestismo, luta corporal, mimese, charlatanismo, e até a simples presença, que quando aparece desarmada e fragilizada, aproxima o espectador. Defender as personagens é a forma encontrada pelos atores de se colocarem diante do público e justificarem a necessidade de sua presença (ou ausência) no mundo.
Mas, para quê recorrer aos Clássicos? Uma hipótese razoável seria considerar que tais personagens não são apenas importantes figuras literárias e artísticas, mas chaves elementares para a construção do pensamento e do comportamento ocidental. Seria possível buscar nestes marcos originários uma possível remediação para os nossos atuais vazios, para nossa náusea contemporânea, ou, pelo menos possibilitariam a chance de reencontrar alguns rastros apagados, alguma pista da nossa falência como projeto de humanidade? Recorrer aos clássicos é olhar para trás, percorrer nossa genealogia, cientes de que nós, latinoamericanos, somos os filhos tardios e bastardos.
Medeia, Antígona e Ulisses moram na mitologia grega, o que nos remete às concepções primevas da sociedade organizada. Um modelo inicial do que entendemos hoje por civilização. Estaria lá nossa herança perdida, nosso legado esquecido após 2500 anos de “evolução”? E temos ainda a presença de Fausto, personagem eternizado por Goethe na transição do século XVIII para o XIX, obra-símbolo do romantismo (considerado a antítese do espírito clássico) e da idade moderna. O “Klássico (com K)” cria o ambiente iconoclasta propício para a co-habitação destes quatros personagens, livre de qualquer reverência ao cânone, desossados de sua rigidez modelar. O “Clássico” sugere respeito, obriga ao comedimento, ao solene. Já o “Klássico” nos convida à luta-livre, ao antropofágico, e ao que ainda temos de ironia e delinquência. Para quem conhece os mitos e as histórias oficiais que envolvem estas personagens, é prazeroso acompanhar a apropriação irreverente e as tensões de identidade propostas pelos  atores. Já para os que não tem esse conhecimento prévio, a própria luta dos atores para convencer o público de que as angústias de seus personagens são importantes já é um caminho fruitivo. Este Klássico quer se aproximar mais dos populares clássicos do futebol para profanar as pretensões apolíneas do classicismo artístico. Retira o consagrado (sacrare) do seu pedestal e o restitui ao livre uso dos homens.
UTOPIA
É sem dúvida uma palavra inerente ao pensamento do Mayombe. Sara Rojo, chilena radicada no Brasil, vivenciou com 17 anos o golpe militar de 11 de setembro (curiosa data) de 1973, que bombardeou o Palácio de La Moneda e depôs o presidente Allende, para dar lugar a 17 anos de crimes contra os direitos humanos e repressão violenta. Neste contexto, Sara alimentou sua posição política libertária, esquerdista e utópica frente ao mundo. O Mayombe é, portanto, um lugar encontrado por Sara para desenvolver e partilhar enunciações que vão além do caráter artístico ou teórico, é também um ponto de encontro de artistas e pensadores que, de certa forma, comungam de um ideal utópico, de um lugar de resistência, de um não-lugar, de um “ranço setentista” como brinca, mas com razão, a atriz do grupo Marina Viana. Em “Klássico (com K)”, é evidente a presença vital da Utopia no discurso dramatúrgico, essencial para o entendimento dos confrontos entre os atores e os personagens que defendem. A utopia é o próprio disparador do conflito central da peça, não como o sonho ingênuo de um mundo perfeito e puro, mas como uma esperança questionada diante das fraturas e fragmentações da contemporaneidade. Se para muitos, a Utopia morre com o século XX, para o Mayombe ela vive, ainda que dilacerada, mas resiste. Neste sentido, o corpo desta utopia contemporânea seja mais parecido com os auto-retratos de Egon Schiele, frágeis, convulsos. Os corpos dos personagens de Klássico também se assumem trôpegos e soluçantes, duvidosos de si, à procura de uma referência. Como diz a atriz Flávia Moreira em um de seus depoimentos: “Antígona dança calada dentro de mim e, como eu, acredita naquela luzinha do fim do túnel que o século vinte soprou”.
Inevitável se remeter ao primeiro espetáculo da trilogia, que mostra personagens perdidas definhando em seus ambientes individuais, mas que, por uma catástrofe que envolve a todos, precisam se expor e agir coletivamente – uma referência à utopia de um passado recente, que acreditou na mobilização e na cooperação coletiva em prol de uma sociedade comum, de seres mais livres, unidos e autônomos. O Mayombe abre e encerra sua tríade com a opinião de que é preciso encontrar “o buraco que a gente precisa furar pra escapar da gente mesmo e ir.”
EXPOR O FRÁGIL
Como costuma acontecer com espetáculos recém-estreados, ainda há diversas fragilidades e lacunas não intencionais. A presença de uma personagem romântico como Fausto, tão diferente dos demais, pois é totalmente díspar dos modelos gregos, é pouco explorada pela dramaturgia. A ação dramática, que mesmo fragmentada e multidimensional parece se querer dramática, pois há a perseguição de objetivos em prol de um resultado final, se perde um pouco em sua própria estrutura, caindo de forma brusca em conflitos subjetivos intimistas. O próprio engajamento dos atores na defesa de seus personagens, proposto de forma incisiva no início, é instável, o que até pode encontrar sentido ao se referir à instabilidade de nossas convicções pós-modernas, no estado líquido de nossos objetivos. Há também uma heterogeneidade nos registros de atuação e no grau de entendimento da proposta espetacular pelos atores. As dificuldades de cada um, no entanto, são expostas e utilizadas em prol da encenação, criando um discurso metalinguístico. Expor o frágil foi uma maneira encontrada pelos artistas de usar como potência o que seria uma deficiência, assim se cria mais uma camada de conflito: há o conflito do homem contemporâneo com seus modelos clássicos e há o enfrentamento dos atores com a complexidade de seus personagens. Em alguns momentos, o peso simbólico da personagem vence a atuação, que, por sua vez, se confessa aquém do que representa. Este é um mérito da dramaturgia: criar uma relação de combate e ao mesmo tempo de revelação e superação entre ator e personagem.
Obviamente, a temporada de estreia é o momento ideal para por à prova todos os elementos do espetáculo, detectar ruídos, potencializar o essencial e lapidar as arestas, o que só é possível quando o processo deixa a sala de ensaio e entra em contato com o público. Mas, mesmo em sua estreia, “Klássico (com K)” instiga o espectador e aponta diversos caminhos de envolvimento e diálogo. Para os artistas do Mayombe, este espetáculo ainda renderá ricas descobertas, e para o público, já se realiza como uma experiência sincera, sagaz, divertida e reflexiva.


Leia mais
17/05/2013 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mestiçagem de linguagens – Esquyna Latina I

Por Soraya Belusi (*)

 
Quando América nasceu, arrancada dos braços de sua mãe África, iniciou sua saga de abandono e exploração ao longo da história. Menina desprotegida, ingênua em seu desconhecimento de si mesma, permitiu-se ser manipulada (e endividada) por sua velha e colonizadora avó. O Mayombe Grupo de Teatro convida o público a testemunhar em “A Pequenina América e Sua Avó $ifrada de Escrúpulos” esta trágica (mas ainda esperançosa) fábula, impregnada de realidade, em um olhar particular sobre a história da América Latina.

Imagem de “A Pequenina América e sua Avó $ifrada de Escrúpulos” (foto de Pedro de Filippis)

As escolhas éticas e estéticas do trabalho parecem refletir, de maneira também estrutural, as opções e pontos de vista ideológicos/artísticos dos integrantes expressos no conteúdo crítico-poético-irônico do texto. Ao escolher a fábula-poética como base da construção da dramaturgia, o grupo abriu para seu próprio discurso e para a encenação uma série de possibilidade de linguagens, em que se permite a coexistência da narrativa e do fluxo de consciência, a presença de momentos mais próximos de uma atuação “realista” a outros mais próximos da performance,  a utilização do humor e do autodeboche e o objetivo de provocar reflexão, da inserção de dados históricos a inserção de citações contemporâneas (Nike, Silvio Santos, etc).


A coerência das escolhas parece estar no acúmulo e na sobreposição das possibilidades utilizadas, numa espécie de mestiçagem de linguagens, caótica, porém, potente justamente por pluralidade. Quando reflete sobre o passado, a histórica da construção da identidade latino-americana e, consequentemente, do Brasil, o grupo pretende, simultaneamente, criar um discurso sobre o que vivemos no presente e sobre suas próprias escolhas.
Criando um possível paralelo com as idéias do geógrafo Milton Santos, em seu livro “Por uma Outra Globalização”, a estrutura do espetáculo (misturada, caótica, plural) reflete o que ele chamaria de sociodiversidade, fruto de um novo dinamismo na mistura de pessoas e filosofia, diferente da que se via na primeira metade do século passado, o que, segundo ele poderia ser um indício da possibilidade de uma outra ideia de globalização – expresso na fala final de América, da escolha por seguir seus próprios rumos e desvencilhar-se da sombra de sua avó.  
“De fato, se desejamos escapar à crença de que este mundo assim apresentado é verdadeiro, e não queremos admitir a permanência de sua percepção enganosa, devemos considerar a existência de pelo menos três mundos num só. O primeiro seria o mundo tal como nos fazem vê-lo: a globalização como fábula; o segundo seria o mundo tal como ele é: a globalização como perversidade; e o terceiro, o mundo como ele pode ser: o da outra globalização”. (Milton Santos)
Neste sentido, os personagens, mais que terem uma “vida própria”, funcionam como reflexo de comportamentos e identidades, crenças, culturas, modos de pensar (seja quando representam a obsessão do consumo e das finanças do mundo atual, ou a exploração através da venda sexual, ou ainda a necessidade de um povo de confiar na e depositar suas chances de mudança na fé, ou ainda a existência de um pensamento hegemônico (imperialista e dominador) que manipula e assombra, desde a sua “descoberta”, todo um continente.  
(*) A jornalista foi convidada a cobrir o evento. Texto originalmente publicado no blog do Esquyna Latina. 


Leia mais
16/11/2012 TAGS: , , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais