Category: críticas

críticas

A iminência do imprevisível contida na aparente normalidade

Por Soraya Belusi
Uma aparente sensação de normalidade parece estar permanentemente impregnada da proximidade de algo estranho acontecer. É justamente nessa intersecção que parecem se sustentar as breves histórias compõem “Delírio” & “Vertigem”, montagem que finaliza o processo do Oficinão do Galpão Cine Horto 2012, com direção de Rita Clemente e dramaturgia de Jô Bilac.
Personagens cruzam a história de outros em “Delírio” & “Vertigem”, do Oficinão (foto Guto Muniz)
As curtas narrativas do dramaturgo carioca, que ganhou destaque na cena nacional com trabalhos como “Cachorro!” e “Savana Glacial”, apropriam-se de situações cotidianas para evidenciar o absurdo nelas contidas, através de personagens que, em algum momento limítrofe, perdem o controle.  O tom quase realista adotado e alcançado pela atuação colabora para que esses “estados alterados de consciência” que avassalam os personagens se concretizem em cena.

Em todos os seus trabalhos anteriores, Rita Clemente buscou em suas encenações formas que traduzissem o conteúdo, que fossem ao mesmo tempo não apenas embalagens para o que se quer dizer, mas, também, discurso. Neste, as escolhas formais da encenadora já começam nessa opção por dividir um espetáculo em duas partes (ou seriam dois espetáculos?), abrindo ao espectador a decisão final de interpretá-las como unidades complementares de um todo ou células totalmente independentes uma da outra. 
Porém, a ideia de que um contém o outro (explicitada, por exemplo, nas formas do quadrado e do círculo desenhadas no programa do espetáculo) parece guiar a encenação. Essa poderia ser uma chave de entendimento para a presença de uma cena de “Delírio” ser retomada sem nenhuma “justificativa” aparente, por outros atores, em “Vertigem”.  Ao mesmo tempo que separa, em dois espetáculos distintos, essas noções de espaço público e privado que guiam as histórias, Rita Clemente promove durante a encenação o entrelaçamento dessas esferas,  causado, entre outros elementos, pela presença permanente de personagens que faziam parte da história anterior ou que ainda viriam a narrar suas existências. A questão é que essa escolha da encenação, que poderia gerar ecos interessantes também na problematização do entendimento que temos dessas esferas, não encontra respaldo nas histórias apresentadas na segunda “parte”, ao apenas retomarem os dilemas e conflitos já apresentados sem acrescentar a eles uma outra perspectiva.
Os elementos de cena reforçam a ideia de atemporalidade (foto de Guto Muniz)
Cenário e figurino parecem também ressaltar a ideia de indefinição no tempo e no espaço. Os personagens compartilham o mesmo espaço de ação, com a inserção de um ou outro elemento necessário à sua narrativa. Tudo parece cotidiano em um primeiro olhar, mas essa sensação é quebrada com sutis pitadas de estranhamento, evidenciadas, por exemplo, no deslocamento das sobrancelhas com a maquiagem ou ainda pela exclusão das cores e a opção pelo preto e pelo branco (com algum verde).
Delírio e vertigem, como definidos no dicionário, são ambos estados mentais. O primeiro insiste em admitir como verdade aquilo que é negado pela evidência, enquanto o segundo inclui a impressão de que tudo ao redor esteja girando. As personagens de Jô Bilac parecem estar entre um e outro, percorrendo os extremos do sentimento, perdendo o controle. Mas, quando mostradas uma após a outra, passa-se a esperar o absurdo contido na próxima situação a ser apresentada e, com isso, a possibilidade de nos espantarmos e surpreendermos com suas atitudes corre o risco de se diluir.
Leia mais
10/12/2012 TAGS: , , , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – Uma geometria estruturante para as relações humanas

por Luciana Romagnolli

“Fractal”. Foto de Cayo Vieira.

As relações estabelecidas no espetáculo “Fractal” remetem à célebre frase sobre a impossibilidade de se banhar duas vezes no mesmo rio, pois já são outros as águas e aquele que nelas se banha, com a qual o filósofo pré-socrático Heráclito cravou o conceito de devir como a eterna transformação a que estão sujeitas as coisas do mundo. 
Um pequeno punhado de acontecimentos relacionados à vida romântica, familiar e trabalhista repete-se na peça escrita por Patrícia Kamis, mudando de sentido a cada novo contexto em que uma fala ressurge.

A dinâmica dos acontecimentos, portanto, importa mais do que eles em si. São, afinal, variações de temas do senso comum – histórias conhecidas sobre gravidez, falta de dinheiro, solidão na velhice e demais frustrações, mas que parecem novas a cada um que as vive pela primeira vez. 

O passo além do óbvio está na estrutura criada pela autora para evidenciar o fluxo transformador do tempo, que impede a restituição de uma experiência por mais que se assemelhe à interior. Patrícia Kamis constrói seu texto emulando a forma de um fractal, um tipo de estrutura geométrica usada para descrever fenômenos da natureza. O fractal se define, em linhas gerais, pela repetição de um mesmo padrão em qualquer escala dentro de uma complexidade infinita – como é o floco de neve. A arquitetura linguística que se inspira nessa geometria gera uma partitura coreográfica repetida ciclicamente pelos quatro atores em cena.

Na encenação de Jean Carlos de Godoi, a complexidade varia (como no fractal), assim como o contexto (como propõe Heráclito) desde uma sequência inicial centrada somente no movimento coreográfico ao som de um ruído prolongado até a inserção de falas que vão se cruzar em diálogos e sugerir situações.

O teatro se torna lugar de uma experiência sobre a estrutura da vivência humana, vista com o distanciamento e a crueza de quem radiografa as arestas de uma edificação. Trata-se de uma estratégia que evidencia relações interpessoais fundamentais, ao mesmo tempo em que opera uma simplificação no modo como as apresenta.

O palco se reveste de branco do cenário à luz, o que resulta em uma impressão de assepsia. É nesse espaço vazio e desterritorializado que a partitura coreográfica se cumpre e as falas esboçam vidas, em jogos de cena que se desfazem com a mesma rapidez com que se formaram. Nessa proposta, as emoções germinadas nos eventos permanecem em segundo plano. As atuações transitam entre a neutralidade e o despertar efêmero de sentimentos individualizados, sem que as subjetividades se delineiem com nitidez. Na economia de imagens assumida na encenação, sobressai o jogo derradeiro de acende-apaga de lâmpadas comuns, que transcrevem plasticamente a dinâmica dos fluxos entre os atores.  

*Crítica originalmente publicada no site do Núcleo de Dramaturgia do Sesi-PR, em dezembro de 2012.

Leia mais
10/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – Poema cênico materializado em corpos sob o barro e a luz

por Luciana Romagnolli

“Parido”. Foto de Cayo Vieira.
Entre muitos trabalhos vistos nesta Mostra de Dramaturgia do Sesi-PR, nos quais a força propositiva se concentrava no texto dramático, e o cerne da encenação era ativar pela fala as subjetividades contrastantes que habitavam aqueles mundos linguísticos inventados, “Parido” desponta pela potência de sua teatralidade. O autor e diretor Don Correa mobiliza recursos de luz, espaço e movimento para constituir sua poética e provocar no espectador sensações de estar no mundo distintas.
Os seres míticos que os quatro atores evocam em cena resistem a se tornarem imitações de pessoas reais ou a se individualizarem. São portadores de uma carga trágica, associada à trajetória humana do nascimento até a morte e às experiências fundamentais do amor e da guerra.
Tal percurso existencial se apresenta pela figura de Doro – de quem se vislumbra fragmentos de vida desde o parto. Contudo, Doro funciona não como sujeito unificado, mas uma síntese de todos: a corporificação da condição humana, compartilhada pelos que estão ao seu redor, seja pai, filho, inimigo, amante. Uma totalidade que é reiterada por formações de coro entre os atores.
Um dos pilares das Dramáticas do Transumano, conforme propostas por Roberto Alvim, é justamente conceber o teatro como a arte de elaborar outros desenhos da condição humana, para além das ideias hegemônicas. Don Correa trilha essa vereda no texto de “Parido”, elaborado como uma espécie de poema cênico.
Por um encadeamento particular, que recusa a narrativa e desarticula o diálogo, as falas evocam acontecimentos essenciais de uma vida que se sabe trágica e em constante mutação: a consciência do devir. Essa mirada em direção ao futuro se fixa no olhar sustentado pelo ator Sávio Malheiros, um dos momentos em que a construção corporal adensada do elenco produz um vibrante efeito de presença sobre o espectador.
É na materialidade da cena, afinal, que essa experiência particular de humanidade proposta por Don Correa se realiza e produz sensações, deslocando o público de seu olhar habitual sobre o mundo. Com uma função que se confunde à do figurino, a maquiagem redesenha os corpos dos atores recobrindo-os de lama ou argila. O elemento terra, assim, os religa à origem perdida do humano. Sob o efeito de uma luz amarela, quente, outro estado de consciência é sugerido.
O espaço cênico se configura plasticamente como uma cruz de luz sobre a qual os três homens e a mulher assumem posições determinadas, mantendo uma distância significativa entre si. São como mundos apartados, sem a possibilidade de verdadeiro encontro.
Leia mais
09/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – A natureza irracional sob a polidez

por Luciana Romagnolli
“Um Rosto que Espreme”. Foto de Cayo Vieira.


A escrita teatral de Anna Johann é uma descoberta desta Mostra de Dramaturgia do Sesi-PR, na qual se viu montagens de suas peças “Um Grito que” e “Um Rosto que Espreme”. A morbidez e a crueldade com que ela revira a ordem estabelecida da instituição familiar, em textos que tomam a forma de monólogos cruzados ou diálogos desconstruídos em encadeamentos inesperados, define as bases de um estilo particular.


Eis uma obra autoral, com potencial para mais se desenvolver, e destoante na produção de teatro curitibana. Dentro da qual já começa a se formar uma galeria de tipos reincidentes: a criança ferida, a mãe leviana, os pais violentos. Antes de constituírem personagens delimitados, são seres que vão se constituindo pela linguagem, através de falas carregadas de contradições e instabilidades.

O universo fantasmagórico de “Um Grito que”, ambientado num cemitério e tratado em tom sinistro pelo diretor Thadeu Peronne, dá vez ao microcosmo de uma família moradora de um condomínio em “Um Rosto que Espreme”, na qual a natureza caótica e perversa desponta sob a superfície de polidez.


Ainda presente, o caráter fantasmagórico se insinua nessa obra de modo mais sutil. O diretor Diego Fortes o concretiza erigindo a cena como um quadro figurativo, expressionista, e criando uma analogia entre a tela de um animal de caça, isolada ao fundo do palco, e os seres que habitam o espaço cênico.


Tal qual o animal pintado, os integrantes da família podem ser presa e caçador. E permanecem em sua impossibilidade de movimento real: o espectador os encontra já em suas posições ao adentrar o teatro e não os verá se deslocar até que saia após os aplausos. Esse efeito final, que confunde o público habituado ao pacto convencional de fim de espetáculo, avoluma a dimensão da obra apresentada, prolongando seus efeitos.


A analogia com o quadro se estende às máscaras de longas orelhas usadas pelas crianças. Elas se vinculam à proposição de que a natureza (irracional) é mais forte, professada em um noticiário trágico intermitente. Os filhos, nesse sentido, estão mais perto da natureza animal do que os pais, já culturalmente moldados. O que não impede de a irracionalidade dominar os adultos também: seja pela violência ou pela sexualidade. É notável que o fato de uma das crianças “aprender” uma nova língua, inventada, acena também para esse processo de aculturação que formata uma ideia de sujeito.


Diante de uma obra que começou vinculada ao leve humor nonsense de “Café Andaluz” e, desde então, tateava modos de agravar o tom e experimentava formas para ganhar relevância, como experimentado em “Jornal da Guerra contra os Taedos” e “Os Invisíveis”, o diretor Diego Fortes alcança um maior refinamento formal associado à contundência de discurso com “Um Rosto que Espreme”.


Ainda parece possível fortalecer tanto as conexões entre os discursos, quanto as presenças extrafamiliares, para além do clichê da mulher sensual e da apresentadora de noticiário. Mas já se vê em cena uma qualidade sagaz de ironia, necessária ao jogo de forças em questão – como na trilha sonora nostálgica e feliz, que evidencia a perfeição aparente da família-modelo.

Leia mais
08/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – Os estranhos que há em nós

por Luciana Romagnolli

“Melhor Ir Cedo Pular da Janela”. Foto de Cayo Vieira.

Um suspiro pesado a ressoar no escuro gera as primeiras imagens e sensações sobre um possível suicida no espetáculo escrito e dirigido por Leo Moita: “Melhor Ir Mais Cedo Pular da Janela”. Como se fosse uma forma de nascimento, o som inaugura e preenche o espaço cênico. Entre as sombras, vislumbra-se o homem e a mobília austera de uma sala. Um cenário que permanecerá imutável, enquanto os transtornos e as evoluções em torno da tentativa de tangenciar a morte acontecerão na fala do ator.

No trajeto ínfimo que ele cumpre sobre o palco, pontuando com seu deslocamento físico a transição de planos dramatúrgicos, sua fala se estilhaça em outras vozes. O monólogo se transforma em um diálogo travado no interior da consciência humana.

Assim, desencadeia o que se pode chamar de um estado esquizofrênico. Muito próximo à ideia de rompimento com as noções de eu e de identidade cultural que Roberto Alvim defende nas “Dramáticas do Transumano”, como uma alteridade radical. Numa frase da peça: “O mundo era essa outra pessoa estranha em nós”.

Como autor e encenador, Moita opta por bloquear a produção de imagens no campo visual. A estética da penumbra, associada ao trabalho de Alvim, impõe-se sobre o cenário quase intocado pelo corpo do ator, sugerindo um transbordamento da cena para além desse mundo cotidiano, morto em seu automatismo paralisante.

A encenação depende da virtuose do ator para se realizar. Val Salles domina e varia suas emissões vocais de modo a invocar um mundo do qual não se consegue ter pleno conhecimento, mas que instaura percepções sobre a vida e a morte por vieses insuspeitados. É da fala que todo o potencial imagético e sensorial brota, numa arquitetura linguística polissêmica e desestabilizadora dos sentidos, que não se fecha em uma lógica racional.

As vozes distintas (que, no texto original, previam dois atores em cena) estranham-se em fluxos de sentidos movediços, deixando o espectador cinestesicamente ligado àquele corpo e às modulações vocais, sem uma interpretação unívoca.

Por caminhos instáveis, Moita consegue essa desestabilização da ideia de uma consciência una ou centrada. E opera um descentramento da razão para fora do campo das relações sociais ou interpessoais.
A incisão que faz na subjetividade não é a dos sentimentos catalogados de um sujeito estável, mas uma cisão interna do ser e do outros, esses estranhos que o conformam. E aos quais dá voz.

*Crítica originalmente publicada no site do Núcleo de Dramaturgia do Sesi-PR, em dezembro de 2012.
Leia mais
07/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – Metáforas para o descontrole

por Luciana Romagnolli

“Blow me Up… ou… Sobre a Natureza dos Homens-Bomba”. Foto de Cayo Vieira.


“Blow me Up…ou…Sobre a Natureza dos Homens-Bomba” cruza discursos desesperados de pessoas inábeis em lidar com o caótico, o frustrante e o imperfeito da vida, quando o que desejam é controle e garantia.

O homem, a mulher e a criança dividem o palco sem chegar a configurar uma família. Cada um carrega suas obsessões, manifestas em falas sustentadas por metáforas e concretizadas em objetos com os quais se ocupam – também detentores de uma função simbólica na encenação dirigida por Nika Braun.  

O desvencilhamento familiar é, antes de tudo, uma escolha dramatúrgica. Tão assoberbados estão os três com suas angústias que se fecham em suas próprias cascas. O ovo – esse invólucro de proteção aparentemente perfeito – emerge como uma das muitas metáforas elaboradas pelo dramaturgo Max Reinert sugerindo estados emocionais. Elas se associam em possíveis conexões entre si, como a do homem-bomba com a bomba relógio e com um homem que pode explodir a qualquer momento.

Porém, os três atores não funcionarem como uma família no palco é também efeito das escolhas de direção, que não concretiza um vínculo entre eles no desenho de movimentos e na articulação das falas. Têm-se breves monólogos interrompidos e continuados, moldados pela estrutura de fragmentos e redundâncias do texto, e frágeis são as tentativas de fazê-los reverberar entre si no espaço da cena.

Há de se considerar o desafio que um texto como esse, sem ação nem conflito no sentido clássico, impõe a quem pretende encená-lo, quando toda ação que se tem é a das falas sobre o mundo. Mesmo a imobilidade poderia funcionar como solução cênica. Contudo, depende do rigor formal na construção dos corpos (estáticos ou moventes) e na modulação das vozes. A carência de tal rigor na direção de atores e no trato com o texto dificulta que as potencialidades criativas contidas em “Blow me Up” se realizem.

Rubia Romani é a atriz que melhor trabalha esse potencial – e, não à toa, a mais experiente em cena. A sobrecarga emocional incessante exigida dos atores encontra nela a habilidade de corporificar as emoções, dar-lhes carne. Uma presença e um domínio de atuação que o resto do elenco ainda não conquistou. O que limita a reverberação das falas, sobretudo nas transições de tempo e sentimentos inseridas nas partes finais do espetáculo, resultando pouco nítidas.      

Outro aspecto a ser repensado é a relação com os espectadores. É certo que, ao adaptar o espetáculo para o palco do Teatro José Maria Santos, que estabelece uma relação frontal com o público, algumas opções precisaram ser feitas. Contudo, barrar o acesso a toda a área central da plateia para abrir espaço à projeção de imagens coloca o projetor em situação de prioridade sobre o espectador – relegado à visão enviesada das bordas das fileiras.

*Crítica originalmente publicada no site do Núcleo de Dramaturgia do Sesi-PR.

Leia mais
06/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – O mundo fantasmagórico de humanos e inumanos

por Luciana Romagnolli


O mundo fantasmagórico evocado pela dramaturga Ana Johann e pelo encenador Thadeu Peronne no espetáculo “Eu Grito Que…” recria no palco a escuridão noturna de um cemitério: local tomado como limbo entre o mundo dos vivos e o dos mortos. Não só onde mães e viúvas pranteiam sobre tumbas nem só encontro de almas penadas. O singular da obra é fazer desse um espaço para dar voz ao recém-morto e ao susto de sua condição.

Ao apreender os instantes finais de uma consciência ainda moldada por padrões humanos, mas prestes a se liquefazer entre as carnes putrescentes, a dramaturgia enfrenta o horror ao cadáver – próprio ao homem da crença (aquele que nega a podridão com imagens sublimes) e ao homem da tautologia (o que se satisfaz em não ver além da materialidade), como notou o filósofo francês Didi-Huberman.
Para isso, recorre a um contraponto infantil, cuja inocência exacerba o contraste com a crueza (ou crueldade) da morte. Uma criança surge como personagem, assim como duas mulheres e mãe, ao lado de formas inumanas (o grito, o saber) coerentes com a passagem do ser ao não ser proposta na situação teatral.
A direção opera uma inversão: corporifica o grito na figura de uma atriz de baixa estatura presa ao elástico, enquanto desmaterializa a criança de quem só se ouve, justamente, o grito. Trata-se de uma estratégia ambígua de vincular o que poderia ser lido como partes divididas de um mesmo ser, mas sem fechar os sentidos dessa leitura.
A mistura de referências humanas às inumanas configura um espaço de estranheza e de obscuridade. Por não saber as leis que o regem, o espectador é surpreendido pelas curvas que estados emocionais inesperados traçam na dramaturgia, bordejando pelo cômico e pelo trágico. Assim funcionam, por exemplo, a trajetória de desapego dos bens materiais até a desintegração de uma das mulheres; a leviandade de outra personagem que desata em violência; e as constatações da morta recente.
Ana Johann dosa as sugestões ofertadas nas falas, de modo a mais intrigar o espectador, que vai construindo paulatinamente sua compreensão do que vê. Na direção, Thadeu Peronne trabalha com os atores distintas modulações vocais, que distinguem e particularizam os seres em cena, dando vida ao texto nas falas. E elabora imagens poderosas de figuras humanas esticadas.
A ausência de um desenho de luz determinado impede que tais imagens ganhem mais potência. Porém, ao entregar uma lanterna a alguns espectadores na entrada do teatro, sem maiores orientações sobre seu uso, o diretor abre possibilidades para uma experiência distinta de iluminação e de expectação: a luz sai do âmbito estético para se tornar um elemento dramatúrgico, mais especificamente, de uma dramaturgia do espectador.
Esta proposta alarga a ideia do teórico argentino J. Dubatti de que cabe ao espectador a criação receptiva e, ao artista, a criação produtiva do espetáculo, permitindo a parte do público momentos de criação produtiva, sim, na decisão de quando, como e o que iluminar da cena. Ação que reforça a experiência sensorial associada à noite no cemitério: de escuridão e de desbravamento do oculto.

* Crítica originalmente publicada no site do Núcleo de Dramaturgia do Sesi-PR em dezembro/2012.

Leia mais
06/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – “NomePRÓPRIO” tangencia o indizível

por Luciana Romagnolli

“NomePRÓPRIO”. Foto de Cayo Vieira.
Com “NomePRÓPRIO”, a dramaturga Nana Rodrigues e o encenador Gerson de Andrade experimentam como instalar um modo de vida distinto no teatro, com signos que remetem às fabulações do nascimento e da morte, da mãe e do pai, do feminino e do masculino, mas permanecem, em última instância, indecidíveis.
Instável entre o surrealismo e o abstrato, o texto opera deslocamentos que ressignificam inesperadamente – ou dessignificam – os sentidos que ameaçavam se formar. Minam a semântica num esforço por tangenciar o indizível do estar vivo e desestabilizar as categorias com as quais se tenta compreendê-lo.
Como em “Ela”, de Raquel Schaedler, a peça indica a presença de um homem e uma mulher. Contudo essa distinção de identidades sexuais não chega a discernir dois indivíduos. É tratada num campo existencial, por modos de subjetivação e de estar fora de si, em permanente trânsito. Uma dualidade de gêneros esquizofrênica, que se une indistinta para tornar a se diferenciar.
Nesse borramento dos contornos, são mínimos os referenciais fornecidos ao espectador, entregue à deriva e à obscuridade. A encenação explode em uma sonoridade ruidosa, que evoca o informe, imenso e incognoscível do universo, ampliando sinestesicamente a percepção das falas e ações.
A atuação, porém, não atinge a dimensão de estranhamento dos sons e das frases. Embora se perceba um trabalho sobre as emissões vocais, sem uma qualidade de invocação as falas não realizam a performatividade possível do texto. A coreografia de oposições e aproximações entre os dois corpos dos atores, sobre plataformas baixas, tampouco evidencia as intensidades e os deslocamentos forjados no nível da fala.
Afim aos princípios que conformaram as dramáticas do transumano, “NomePRÓPRIO” segue a ambição radical de inventar arquiteturas linguísticas e formas outras de experienciar a existência,  ainda como um exercício de imperfeições, que não realiza a plenitude do seu projeto estético. Enquanto seu principal efeito é o de rompimento com os padrões conhecidos, as proposições que traz em seu lugar ainda não estabelecem um sistema forte de relações formais nem de produção de intensidades.

*Crítica originalmente publicada no site do Núcleo de Dramaturgia do Sesi-PR em dezembro/2012.

Leia mais
06/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
críticas

Mostra de Dramaturgia Sesi-PR – O pontilhado irracional de “Ela”

por Luciana Romagnolli

“Ela”. Foto de Cayo Vieira.
“Ela” delonga o tempo de reticências entre um homem e uma mulher que coabitam um lugar. O diálogo entre eles tarda a se estabelecer. Antes, imprimem os volumes de seus corpos (semi)estáticos naquele espaço. Os primeiros instantes do espetáculo escrito e dirigido por Raquel Schaedler permitem que essas presenças se instaurem e desvaneçam – como é próprio dos efeitos de presença, segundo o filósofo alemão H. U. Gumbrecht: serem sempre permeados de ausência.
O pontilhado de silêncios inicial e entre as falas remodela os sensos-comuns envoltos na relação romântica. As frases de ambos, mulher e homem, tentam estabelecer uma conexão que é frágil, quebradiça, como a ideia de que duas individualidades formam um casal.
Contudo, a soma dos fragmentos e das sugestões fecha uma narrativa de emoções reconhecíveis, que perpetua o jogo de forças entre o feminino e o masculino e suas distintas pulsões sexuais, colocando em evidência a difícil relação daquela mulher com o desejo, o corpo e o sexo. Manifesto no ódio à cadela que vive em plenitude sua sexualidade, num corpo livre, não afetado pela cultura e, portanto, sem pudor, o ciúme da mulher emerge como sintoma da repressão sexual submersa na dramaturgia.
Fábula esta semelhante à criada pelo argentino Daniel Veronese em “O Líquido Tátil” (1994), recentemente remontada pelo Espanca!, de Belo Horizonte. A recorrência ao cachorro como perturbador da paz de um casal evoca emoções da ordem do irracional, fora do controle do que se pretende como civilizado.
“Ela” se afasta do projeto artístico das dramáticas do transumano forjado por Roberto Alvim, sob a orientação de quem foram criadas as obras desta Mostra de Dramaturgia, à medida que se mantém nas esferas dos sentidos, do cultural e do cognoscível. Antes, inscreve-se num campo que se poderia chamar de infradramático – que, como propõe o teórico francês J. P. Sarrazac, é esse espectro alargado do drama, no qual sobrevivem microconflitos do cotidiano e personagens diluídos.
A encenação opera com ações e objetos do cotidiano escasseados. Redução que os desloca do consenso, no entanto, sem a radicalizar esse procedimento. As atuações também pouco se desprendem da experiência cotidiana. Sobretudo a de Johnny Leal, cujas falas são contrapontos às da mulher cujas emoções realmente estão sob foco. Ao sugerido fervilhar interno de angústias dela, a atriz Maryah Monteiro objeta um semblante de anodinia, rompido pelo deleite – ainda represado –da pulsão destrutiva.
Figuras enfraquecidas a habitar o tempo de silêncios.
*Crítica originalmente publicada no site do Núcleo de Dramaturgia do Sesi-PR em dezembro/2012.
Leia mais
06/12/2012 TAGS: , BY: Luciana Romagnolli
Leia mais
1 … 43 44 45 46 47 48 49 50